David Carradine, actor en la mítica serie Kung Fu, y Bill en la películas de Kill Bill , del gran Quentin Tarantino, ha fallecido. Qué mejor para recordarlo que el monólogo que Carradine realiza en la segunda parte de esta saga.

Como sabes, soy bastante aficionado a los cómics. Especialmente a los de superhéroes. Encuentro fascinante toda la mitología que envuelve a los superhéroes. Elijamos a mi superhéroe favorito, Superman. No es un gran cómic. No está especialmente bien dibujado. Pero la mitología… la mitología no es solamente grandiosa, es única. Uno de los elementos principales de la mitología del superhéroe es que hay un superhéroe y hay un alter ego. Batman es en realidad Bruce Wayne, Spiderman es en realidad Peter Parker. Cuando ese personaje se levanta por la mañana, es Peter Parker. Tiene que ponerse un disfraz para convertirse en Spiderman. Y es ahí, en esa característica, donde Superman es único. Supermán no se convirtió en Superman. Superman nació Superman. Cuando Superman se levanta por la mañana, él es Superman. Su alter ego es Clark Kent. Su traje con la gran S roja es la manta que le envolvía siendo un bebé cuando los Kent le encontraron. Ésa es su ropa. Lo que lleva Kent -las gafas, el traje de negocios- es el disfraz. Es el disfraz que Superman lleva para integrarse entre nosotros. Clark Kent es tal como Superman nos ve a nosotros. ¿Y cuáles son las características de Clark Kent? Es débil… es inseguro… es un cobarde. Clark Kent es la crítica de Superman a toda la raza humana.

The Cannes Kids, es el título de uno de los episodios de la serie Entourage, del canal HBO. Entourage, narra la historia de Vincent Chase (Adrien Grenier), un joven actor que intenta triunfar en Hollywood, siempre acompañado de sus inseparables amigos, de su “séquito”. Vincent y sus chicos no podían faltar- como antes lo habían hecho con Sundance- a Cannes. Con una superproducción basada en la vida del criminal colombiano Pablo Escobar desembarcan en la Croisette. Imaginémonos la situación: filme de alto presupuesto realizado por un director indie con el ego subido, realizado íntegramente en español y con su protagonista, Vincent, maquillado hasta el hastío para parecerse a Escobar. ¿Alguien piensa que esto no se acerca a la realidad? Por si fuera poco, el recibimiento en Cannes es pésimo y la película, Medellín, se hunde en el fango junto a la joven promesa Vincent Chase.

Esto es tan sólo un ejemplo de la genialidad de Entourage, de su capacidad para reflejar los entresijos de Hollywood más allá de su utópica concepción de “factoría de sueños”. Y ojo, aunque no faltan el idealismo y la ilusión- encarnados por Vincent y su manager, Eric- éstos han de enfrentarse a las manipuladoras artimañas de los productores de Hollywood y los intereses económicos. Ari Gold, encargado de llevar a buen puerto la carrera de Vince, es el claro ejemplo de la manipulación. Un personaje con mala leche, dispuesto a conseguir lo que quiere a cualquier precio, interpretado por un Jeremy Piven en estado de gracia. No en vano el actor ha conseguido tres veces el Emmy por esta serie.

Esta joya de la HBO es la síntesis del lema de la casa: “It’s not TV, it’s HBO”. Capaz de construir un mundo sólido con personajes solventes y tramas eficaces, Entourage es un regalo para todo seriéfilo y también para cualquier amante del cine que se precie.

El 62º festival de Cannes ha terminado con el triunfo de Michael Haneke y su película The White Ribbon. El filme de Haneke le ha arrebatado la Palma de Oro a la otra gran favorita, Un prophète, de Jacques Audiard.

La Alemania pre-nazi

Michael Haneke, director de Funny Games, ha sido aplaudido en el festival por The White Ribbon. El filme, ambientado en la Alemania de principios del siglo XX, reflexiona sobre los orígenes del terror nazi.

Y se hizo la polémica

Lars Von Trier, uno de los chicos de Dogma 95, ha vuelto a causar polémica con su película Antichrist. Algunos críticos han tachado el filme del danés de provocación barata, e incluso hay quienes, como Carlos Boyero, la han calificado de memez. Aún así, el que se ha autoproclamado como “el mejor director del mundo” ha tenido cierta recompensa con el premio que Charlotte Gainsbourg ha recibido por su interpretación en esta película.

El chico malo de Cannes

Quentin Tarantino llegó a Cannes pegándose unos bailes a lo Travolta, y aunque no ha repetido la Palma de Oro que recibiera por Pulp Fiction, Christopher Waltz, ha obtenido el premio a la mejor interpretación por esta película. ¿En cuanto a las críticas? Hay división de opiniones, pero la idea general de que aún no siendo el mejor filme de Tarantino es una buena película.

Españoles en baja forma

Las aportaciones de Pedro Almodóvar e Isabel Coixet al festival han sido recibidas de manera bastante tibia. El director manchego no ha conseguido conquistar con Los abrazos rotos, un filme que se ha considerado poco inspirado. Por el otro lado, Mapa de los sonidos de Tokio, ha sido calificada de fría y poco apasionada, en relación a la tórrida historia de amor que narra la película.

El palmarés

-Palma de Oro: The Whitte Ribbon, de Michael Haneke.
-Gran premio del jurado: Un prophète, de Jacques Audiard
-Mejor director: Brillante Mendoza por Kinatay
-Mejor actriz: Charlotte Gainsbourg por Antichrist
-Mejor actor: Christopher Waltz por Inglorius Basterds
-Premio al mejor guión: Feng Mei por Spring Fever
-Camera d’Or (Mejor primera película): Samson and Delilah, de Warwick Thornton
-Camera d’Or mención especial: Ajami
-Premio del Jurado (ex aequo): Fish Tank, de Andrea Arnold; y Thirst, de Park Chan-wook
-Palma de Oro al mejor cortometraje: Arena, de Joao Salaviza
-Premio Especial a toda su carrera: Alain Resnais, director de Les herbes folles

Para más información:

-Crónicas de Cannes en Las Horas Perdidas.
-Carlos Boyero desde Cannes en la edición digital de El País.

Star Trek

Puro filme de entretenimiento de la mano de J.J. Abrams, magnate televisivo y productor de la serie Lost. Con un estupendo arranque la película nos introduce en la vida de los tripulantes de la nave U.S.S. Enterprise. Con un punto de humor y socarronería Abrams crea una interesante película de acción, que no obstante, adolece de una bajada de ritmo cuando se centra en la presentación de los personajes. Afortunadamente Abrams consigue no sucumbir a la grandilocuencia fácilmente asumible en una superproducción de estas características. Es interesante la actuación del televisivo Zachary Quinto como Spock, y la aparición estelar de Leonard Nimoy.

Ponyo en el Acantilado

Hayao Miyazaki, el genio de la animación japonesa vuelve con Ponyo en el acantilado, una libre adaptación del cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen. Más infantil que otras películas del Studio Ghibli- no por ello peor película- el ganador de un Oscar por El Viaje de Chihiro, nos trae una espléndida aventura en animación tradicional. Dinámica, sencilla, emocionante, Ponyo en el acantilado es disfrutable para todos los públicos. Un auténtico festival de colores e imágenes delicioso para cualquier espectador. Miyazaki habla , como ya hizo en La Princesa Mononoke- aunque en un tono menos adulto- de la necesidad del respeto y la armonía con la naturaleza. Fresca, imaginativa, imprescindible.

William Munny, el protagonista de Sin Perdón, es al igual que el Walt Kowalski de Gran Torino un hombre atormentado por su pasado. El primero, por haber sido un mercenario a sueldo, y el segundo, por sus experiencias en la Guerra de Corea. La mujer de ambos, ahora difunta, es el único elemento capaz de enderezar su camino. Ambos se sienten perdidos sin ella, pero mientras que Kowalski supera sus propios prejuicios y se redime, Munny no puede evitar caer en la tentación de volver a su antigua vida. Primero por conseguir dinero, pero después por algún extraño sentido de la justicia.

La misión de William Munny (Clint Eastwood) es matar a dos hombres que han cortado la cara a una prostituta. Acompañado de su amigo Ned Logan (Morgan Freeman) y un joven llamado Schofield Kid (Jaimz Woolvett) emocionado por las leyendas que rodean a Munny, emprende el viaje para vengar a la prostituta. Munny, el antagonista de la justicia, se convierte en su defensor cuando intenta devolver a las prostitutas su honor, aunque es todo lo contrario a ella cuando mata a todo hombre vivo que se le pone por delante. No le importa empuñar el arma una vez más. El recuerdo edificante de su esposa le hace arrepentirse una y otra vez de sus actos, aunque finalmente cometa los asesinatos después de mucho tiempo en la sombra.

Little Bill(Gene Hackman) es el sheriff del pueblo de Big Whiskey, y personaje al que Eastwood se ha de enfrentar. Al igual que Munny tiene dos caras. Por un lado, como representante de la justicia local impide la entrada de hombres armados que puedan causar caos en la aldea. Pero también tiene su lado oscuro, al imponerles tan solo como castigo ceder unos caballos al dueño del burdel.

Sin Perdón, dirigida por Clint Eastwood, resume el bagaje del cineasta en el western y al mismo tiempo desmitifica el género. Los personajes no son buenos o malos por definición, sino que tienen sus dobleces. William Munny está machacado por el tiempo, arrepentido, pero paradójicamente se decide a coger la pistola. Estamos ante una buena película que no en vano ganó en el año 1992 los Oscar al mejor filme, al mejor director y al mejor actor secundario (Gene Hackman).

Cojamos una coctelera y juntemos un buen guión, una gran dosis de humor negro y un ritmo vertiginoso. Agitémosla. Obtendremos Arsénico por compasión, una delirante comedia de Frank Capra.

Basada en la obra de teatro de Joseph Kesselring, la película cuenta cómo Morty Brewster (Cary Grant), un crítico de teatro, descubre que sus tías se dedican a envenenar caballeros sin familia. Por si fuera poco, por el medio se introduce una galería de variopintos personajes: un loco que se cree Theodor Roosevelt, un hermano psicópata con un siniestro parecido a Boris Karloff, una mujer algo histérica y un doctor que hace operaciones de cirugía estética.

Como en toda buena screwball comedy, los gags se suceden sin interrupción y se crean cada vez las situaciones más disparatadas. A golpe de ingeniosos diálogos, Capra trata sin reparos el tema de la muerte, con un fino e inteligente humor.

Josephine Hull y Jean Adair acompañan a Cary Grant en el papel de las tías de Brewster. El mismo Grant reconoció que la actuación en Arsénico por compasión había sido una de las más divertidas de su carrera. Como Morty Brewster dice, “la locura corre” por toda la película, “galopa casi”.

-Mira, tía Marta, un hombre no se mete en el arcón de debajo de la ventana y se muere.
-No, no, hijito. Se murió antes.
-A ver si logro entender este lío. ¿Queréis decirme cómo murió?
-Oh, Mortimer. No seas tan preguntón. Ese caballero murió porque bebió un vaso de vino que tenía veneno.
-Pero, ¿y cómo tenía veneno en el vaso?
-Pues, se lo pusimos en el vino porque se nota menos. En el té tiene un sabor muy especial.

Morty Brewster descubre el secreto de sus tías
Arsénico por compasión(1944), Frank Capra

Quentin Tarantino llevará a la 62º edición del Festival de Cannes su última película, Inglorius Basterds, que terminó de rodarse este año en Berlín.

La cinta, protagonizada por Brad Pitt y Diane Kruger, entre otros, está ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Malditos Bastardos cuenta la historia de un grupo de soldados judíos que se alían con una agente secreta de los Aliados con el fin de acabar con el Tercer Reich.

La revista Vanity Fair se ha hecho eco de la noticia. La fotógrafa francesa Brigitte Lacombe ha realizado una sesión de fotos de los protagonistas para su número de Mayo.

Para ver las fotos en tamaño superior haz click sobre ellas

La primera vez que vi Donnie Darko de Richard Kelly, no me pareció esa maravilla que muchos encontraban en ella. Pero días después, y habiendo reposado la película, tuve unas ganas tremendas de volverla a ver, y descubrí mucho más de lo que en había notado en primera instancia.

Donnie Darko es una original película de ciencia ficción. El filme de Kelly mantiene al espectador atado al sillón en todo momento, especulando qué sentido tiene todo lo que sucede, un poco al modo de David Lynch. Jake Gylenhall ofrece una solvente actuación en el papel de un chico desequilibrado, pero más cuerdo de lo que parece.

Ahora se estrena en en Estados Unidos y directa a DVD una secuela protagonizada por la hermana de Donnie, Samantha. La película, cuyo “original” título es Samantha Darko está protagonizada por la joven actriz Daveigh Chase y dirigida por Chris Fisher.

Después de ver el trailer parece que nos encontramos ante una reelaboración del filme original, lo cual no da mucho margen a la sorpresa.

Aquí os lo dejo, mientras me sigo preguntando qué demonios hace Chuck Bass en esta película.

Donnie: “¿Por qué llevas ese estúpido traje de conejo?”
Frank: “¿Por qué llevas ese estúpido traje de hombre?”

Donnie Darko (2001), Richard Kelly

Nicole Kidman se ha incorporado al rodaje de la última película de Woody Allen.Se trata de un filme que cuenta entre su reparto con Antonio Banderas, Anthony Hopkins, Naomi Watts y Freida Pinto. Aunque su último filme, Vicky Cristina Barcelona, no haya sido de los mejores de su carrera, Allen es un director que siempre ha sabido hacer buen cine. Por ello, ¿qué mejor excusa que esta noticia para repasar algunas de sus mejores películas?

Misterioso asesinato en Manhattan

Cuando la relación de Diane Keaton y Woody Allen ya hacía aguas el cineasta americano rodó esta comedia sobre un matrimonio que se hunde. Paradójicamente, y a diferencia de la relación de Allen, éste se salvará gracias a la emoción de la pareja al resolver un crimen. Nos encontramos aquí con situaciones disparatadas y diálogos ingeniosos, en la línea del mejor Allen.

Manhattan

Manhattan es un poema, un canto de amor a la ciudad del mismo nombre. Rodada en un riguroso blanco y negro, la película explora con tono melancólico el desengaño, la inseguridad, y la complicación de las relaciones humanas. Todo ello, sin dejar de lado el mordaz humor de Allen. La escena de Diane Keaton y Allen bajo el puente es antológica.

La rosa púrpura del Cairo

Para cualquier amante del cine La rosa púrpura del Cairo tiene un hueco especial en su corazón, aunque sólo sea por el homenaje que Allen realiza al séptimo arte. En un ejercicio de metalingüismo, el cineasta cuenta la historia de una mujer solitaria- Mia Farrow- que encuentra el amor en una pantalla de cine. Inesperadamente, su galán cobrará vida. Allen juega con los límites entre realidad y ficción y realiza una de sus películas más originales.

Match Point

Match Point es, sin duda, la mejor película de Woody Allen en los últimos años. El filme explora el crimen y la culpa, temas que el director neoyorquino ya había explotado en Delitos y faltas. Tensa e imprevisible como un partido de tenis, el film es un apasionante relato en el que el azar juega un papel fundamental. La química sexual entre Jonathan Rhys-Meyers, y Scarlett Johansson- la última musa de Allen- es impecable, en un filme en el que Woody da cabida a las pasiones más exacerbadas.

AHORA, ¿CUÁLES SON VUESTRAS FAVORITAS?

A primera vista Persiguiendo a Amy puede parecer una comedia comercial para frikis. Al fin y al cabo ahí están todas esas referencias a la cultura popular, sin obviar que sus protagonistas son dibujantes de cómic. Pero nada más lejos de la realidad, ya que el film explora las relaciones humanas sin ningún tipo de correción política.

El argumento es sencillo: Holden, un dibujante de cómics se enamora de una chica lesbiana, Amy, con la que establecerá una relación. El filme, más que profundizar en la condición sexual de los personajes trata de analizar las relaciones sentimentales. Lo hace a través de chispeantes diálogos en los que el sexo se trata sin tapujos. Este rasgo ya lo había explotado Kevin Smith en Clerks, su opera prima.

El personaje de Ben Affleck reflexiona sobre el miedo de no ser suficientes a la persona amada, o la incapacidad para enfrentarse a los propios prejuicios. Amy no es simplemente una chica, sino la metáfora de esa persona especial que todos buscamos. Como dice Bob el silencioso en su ejemplar intervención, todos perseguimos a Amy, y podemos perderla por un estúpido error.

Monólogo de Bob el silencioso

Persiguiendo a Amy es una película cruda y descarnada, que induce al espectador a reflexionar sobre su propia vida. El tono hipérbolico de algunas situaciones-sobre todo las relacionadas con el sexo- distancia un poco la película de la realidad. Aún así, el espectador llega a sentirse identificado con los miedos y obsesiones del protagonista, pues todo ser humano sufre por amor.