En primer lugar quería pediros disculpas por estar tantos días sin publicar ningún post, pero he estado ocupada con algunos trabajillos de clase.

Diary of the dead, estrenada en pasado Festival de Sitges, es la historia de cómo los muertos vivientes provocan la hecatombe en un mundo globalizado y mediatizado por la prensa, Internet y la televisión. En la era de los blogs y de la comunicación digital, un grupo de estudiantes decide hacer su propia película de terror, pero pronto descubrirá que los zombies que pretendían rodar son más reales de lo que parece. Comienza así una incansable huida vista a través de la lente de una cámara, debido al interés de uno de los estudiantes por grabar todo lo que acontece.

El filme de George Romero, muy en la línea de REC, es una lúcida reflexión sobre la sociedad de la información, en la que cada hecho que no se graba “no existe”. De ahí la obsesión del estudiante a registrar absolutamente todo lo que sucede, para mostrar la verdad frente a la información parcial de las cámaras de televisión y resto de medios de comunicación, que no aciertan a dar una explicación ante la catástrofe que se cierne sobre el mundo civilizado.

Romero narra la historia con distintas cámaras, con la pretensión de lograr el máximo realismo. Tal vez el hecho de que el objetivo esté siempre en movimiento resulte farragoso a la hora de ver la película, pero esto es un mal necesario para comprender el mensaje que nos lanza. ¿Hasta dónde puede llegar la obsesión por mostrar lo que sucede, hasta dónde podemos llegar por enseñar lo que queremos que el mundo vea? Estas son sólo algunas de las preguntas premisas que plantea la última película del director de La noche de los muertos vivientes.

En España, como siempre con retraso, el filme no se estrenará hasta el 27 de junio.

Deliciosa es el mejor adjetivo que se puede conceder a Ratatouille. Brad Bird, artífice de éxitos como Los increíbles, nos devuelve la esperanza en los filmes de animación, con una película audaz y entretenida.

Quizás esté cegada por lo mucho que he disfrutado de Ratatouille, de la peculiar aventura que propone, la de una rata , Remy, que logra su sueño de convertirse en cocinero. No hay duda de que estamos ante un relato sobre la amistad y la esperanza, como es convencional en este tipo de filmes. Pero el deslumbrante despliegue gráfico y el inteligente guión se aúnan para lograr una de las mejores películas de animación de los últimos años. Por si fuera poco, Ratatouille nos ofrece personajes tan carismáticos como el torpe Linguini, el chef Skinner, o el retorcido Ego. De Anton Ego nos llega uno de los matices más inesperados de la cinta, con la figura de un despiadado crítico que al final se redime, y que trae el mensaje de que el artista puede proceder de cualquier lugar.

El simpático Remy está en su salsa en esta producción de Pixar. A pesar de que es una cinta que va acompañada de la etiqueta de ‘público infantil’, Ratatouille es un dulce para todas las edades. No me arrepiento, pues, de descubrir este film pospuesto de forma injusta en mi ‘lista de películas’.

La Crítica de Antón Ego

“Anoche experimenté algo nuevo, una extraordinaria cena de una fuente singular e inesperada, decir sólo que la comida y su creador han desafiado mis prejuicios ante la buena cocina que subestimaría la realidad. Me han tocado en lo más profundo.

En el pasado jamás oculté mi desdén por el famoso lema del chef Gusteau’s ‘Cualquiera puede cocinar’, pero al fin me doy cuenta de lo que quiso decir en realidad.

No cualquiera puede convertirse en un gran artista, pero un gran artista puede provenir de cualquier lado. Es difícil imaginar un origen más humilde que el del genio que ahora cocina en el restaurante Gusteau’s y quién en opinión de este crítico es nada menos que el mejor chef de Francia.

Pronto volveré a Gusteau’s hambriento”.

“Bette Davis en Eva al desnudo no interpreta su papel habitual.
Es Ann Baxter quien hace el papel de Bette Davis en el cine, mientras que Bette Davis hace el papel de Bette Davis en la vida”

André Bazin

Dirección y guión: James Gray.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 117 min.
Género: Thriller policiaco, drama.
Intérpretes: Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Eva Mendes, Robert Duvall, Tony Musante, Antoni Corone, Alex Veadov, Moni Moshonov, Danny Hoch, Maggie Kiley.
Producción: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.
Música: Wojciech Kilar.
Fotografía: Joaquin Baca-Asay.
Montaje: John Axelrad.
Diseño de producción: Ford Wheeler.
Vestuario: Michael Clancy.

Es agradable encontrar en una semana en la que no abundan los estrenos interesantes una sabrosa película como La noche es nuestra. El filme de James Gray recupera el sabor de los thrillers policíacos de los años 70 en un modélico ejercicio de clasicismo.

La acción se sitúa a finales de los años 80, en la mítica ciudad de Nueva York. Una nueva droga se difunde por la ciudad y el crimen asola las calles. En este contexto tendrá lugar el duelo fraternal entre dos hermanos: Bobby Green (Joaquin Phoenix) y Joseph Grusinsky (Mark Wahlberg). Un atribulado Robert Duvall, en el papel de padre de los dos protagonistas, intenta poner paz entre ellos. Pero las cosas no son fáciles, y Bobby Green, encargado de un local de moda, despreocupado y fiestero, deberá decidir entre ayudar a la mafia rusa o a la policía local, representada por su padre y su hermano. Aunque en un principio desea mantenerse al margen, un trágico accidente precipitará su elección. El filme se convierte de esta manera en un drama familiar en el que entran en juego los sentimientos primarios del odio y la venganza.

A nivel interpretativo hay que señalar la gran interpretación de Joaquin Phoenix, que sustenta a Bobby Green, personaje con una elaborada psicología. Phoenix es capaz de dar forma a un hombre complejo emocionalmente, que abandona su inicial apatía para dar rienda suelta a sus afán de venganza. Mark Wahlberg consigue dar la réplica a Phoenix, en una actuación que si bien no llega al nivel del anterior, es más que correcta. Eva Mendes, en el papel de novia de Bobby Green, no molesta, aunque tampoco consigue aportar una calidad equiparable a la de Phoenix o a la de Wahlberg.

Contundente, con un frenético ritmo, La noche es nuestra nos retrotrae al más puro cine negro. Plena de emoción en sus dos horas de metraje, la película de Gray no decae en ningún momento y demuestra que la falta de pretenciosidad puede ser, en ocasiones, la mejor aliada para lograr una buena película.

Al final todo se resume en un conflicto entre ‘buenos’ y ‘malos’. Aunque podríamos acusar a Gray de cierto tono moralizante, escondido en la historia del hermano ‘redimido’, es innegable que estamos ante un ejemplo de buen cine, en el que el realismo y la sobriedad se unen para cautivar al espectador.

Valoración: * * * *

Ya se han publicado las fotos oficiales de Vicky Cristina Barcelona (algunas ya habían salido a la luz) , el filme de Woody Allen rodado en España. La película, que se estrenará el 19 de septiembre de este año, está protagonizada por Rebeca Hall, Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Javier Bardem. Vicky Cristina Barcelona cuenta la historia de un pintor que conoce a dos turistas norteamericanas. Su vida se complicará cuando aparezca su celosa ex novia, que traerá de cabeza al artista.

P.D: Me sigo preguntando si Vicky Cristina Barcelona no suena al título de película de Cine de Barrio.

Dirección: François Girard.
Países: Canadá, Italia y Japón.
Año: 2007.
Duración: 107 min.
Género: Drama.
Intérpretes: Michael Pitt, Keira Knightley, Alfred Molina, Kôji Yakusho, Mark Rendall , Miki Nakatani, Toni Bertorelli, Martha Burns, Marc Fiorini, Leslie Csuth, Callum Keith Rennie.
Guión:François Girard y Michael Golding; basado en la novela de Alessandro Baricco.
Producción: Niv Fichman, Nadine Luque, Domenico Procacci y Sonoko Sakai.
Música: Ryuichi Sakamoto.
Fotografía: Alain Dostie.
Montaje: Pia Di Ciaula.
Diseño de producción: François Seguin.
Vestuario: Kazuko Kurosawa y Carlo Poggioli.

Seda es el título del último filme de François Girard. Basada en la novela homónima de Alessandro Baricco, la película cuenta la historia del oficial francés Hervé Joncour, que es enviado a Japón por el comerciante Baldabiou. Su misión es conseguir huevos de gusanos de seda para la industria local y para ello abandonará a su querida esposa Hélène (Keira Knightley). En Japón, Joncour se sentirá atraído por el misterioso y exótico mundo que lo rodea.

La película de Girard partía de una dificultad inicial, como es la brevedad de la obra de Baricco. La trama no da para los breves cien minutos que dura la película, y Girard ha evitado introducir algún elemento que la enriquezca, de modo que el filme se queda en una sucesión de bellísimas imágenes sin demasiada profundidad.

Así pues, Seda no consigue transmitirnos la trascendentalidad ni la pasión que hubiésemos esperado de un adulterio, de la llegada a un mundo desconocido. Su único valor destacable es el esteticismo. Sólo la enigmática actitud de la japonesa por la que Joncour se siente atraído, o la intensidad de Madame Blanche consiguen arrancarnos alguna emoción.

En el apartado interpretativo podemos destacar la labor de Alfred Molina, que interpreta a Baldabiou. Michael Pitt, sin embargo, no hace funcionar muy bien a Hervé Joncour.

A pesar de sus evidentes defectos, Seda deja una buena sensación en el espectador, aunque sólo sea por la belleza de sus imágenes. Por lo menos, y aunque desearíamos más emoción, el filme prescinde del melodramatismo exagerado inherente a muchos dramas de época.

Valoración: **

Rebeca (1940). Alfred Hitchcock.

Los fantasmas existen. Pues, ¿de qué otra forma podemos llamar a esas personas que aún muertas dejan una huella indeleble?

Alfred Hitchcock debía tener muy presente esta idea cuando filmó Rebeca(1940), adaptación cinematográfica de la novela homónima de Daphne du Maurier. Después de una charla con el productor David O’ Selznick, artífice de éxitos como Lo que el viento se llevó, Hitchcock suplió con este proyecto la idea de rodar un filme sobre el hundimiento del Titanic.

El cineasta inglés se adentró en las profundidades de la novela de du Maurier y sacó a relucir todo su trasfondo poético y tortuoso. La historia no puede comenzar de forma más sencilla: un hombre acaudalado, Max de Winter (Laurence Olivier) se enamora de una muchacha en Francia (Joan Fontaine), se casan y se van a vivir al castillo de Manderley. Pero desde el momento que el personaje de Fontaine atraviesa los muros de la edificación, Rebeca, la mujer muerta de Max de Winter se convierte en la verdadera protagonista de la historia.

Rebeca es un fantasma, una sombra corpórea. Está presente en las conversaciones de los criados y los allegados de Max, en los muros de la fortaleza, en las habitaciones del castillo. Es la dueña y señora de Manderley, a pesar de no seguir con vida. La señora Danvers, de rostro hierático y expresión estática, es la fiel custodia del recuerdo de Rebeca.

La presencia de Rebeca es tan absorbente que incluso su nombre anula al de la esposa de Max de Winter. Joan Fontaine no puede pensar más que en la inigualable belleza y elegancia de Rebeca, la sublime Rebeca. No puede evitar pensar que su esposo no es su esposo, sino el marido de una muerta.

Es curioso que un personaje ya sin vida alcance tal profundidad psicológica, lo que advertimos todavía más al conocer su verdadero carácter. Rebeca no era la amante esposa de Max de Winter, sino su torturadora. No era la perfecta señora de Manderley, sino la esposa infiel casada por conveniencia.

Solo cuando Joan Fontaine descubre la verdad, cuando se conocen las verdaderas causas de la muerte de Rebeca, y sobre todo, cuando Manderley es pasto de las llamas, Rebeca desaparece. Ella no existió mientras Max de Winter y su esposa estaban en Francia, y dejó de existir cuando su fiel sirvienta se dejó morir, cuando Manderley se quemó.

Lost..4×08. Meet Kevin Johnson.

Aviso: contiene SPOILERS

Todos sabemos, desde los inicios de Lost, que la isla tiene entidad propia. Es un personaje, y no un mero escenario de las desgracias de los supervivientes del vuelo 815. Meet Kevin Johnson es la muestra del poder de atracción que tiene la isla, y de la imposibilidad de escapar de ella, pues, aunque se pueda abandonar siempre hay que volver.

Michael es el verdadero protagonista del episodio, un personaje al que nos sorprende ver de nuevo, pero que al mismo tiempo esperábamos que asomase por la pantalla en cualquier momento. Al igual que en los flash forwards de los Oceanic Six , Michael logra abandonar la isla, pero ha de regresar a ella para salvar a sus compañeros de vuelo; tal como quería el Jack del futuro.

Todos son marionetas de la isla, incluso el manipulador Charles Widmore, que ha tenido serias dificultades con los extraños sucesos que acontecen en su carguero.

El capítulo se cierra con la muerte de dos personajes que se habían convertido en innecesarios: Karl y Rousseau, lo que añade una doblez más al complejo personaje de Ben.

Sí, puedo afirmar que Meet Kevin Johnson es después del brillante The Constant el mejor episodio de lo que llevamos de cuarta temporada. Ahora tendremos que esperar varias semanas para ver un nuevo episodio de Lost. De lo que no cabe duda es que la cuarta es una temporada de respuestas, y de que los guionistas de la serie juegan con nosotros todo lo que quieren, al igual que la isla lo hace con sus víctimas.